Reviews NOVEMBER 2019

 

CRYSTAL VIPER – Tales Of Fire And Ice

Release: 22.11.2019

INFO-Auszug

CRYSTAL VIPER ist eine Female Fronted Heavy Metal Band aus Polen, gegründet von Sängerin, Gitarristin und Songwriterin Marta Gabriel. Mit Tour- und Festivalerfahrung in mehr als fünfzehn Ländern, sechs Studioalben und einem Haufen an Singles und EPs, welche die Band seit 2007 veröffentlicht hat, gehört die Band heute zu den fokussiertesten und erfolgsorientiertesten Bands ihrer Generation.
Während CRYSTAL VIPER in jüngster Vergangenheit häufig in die New Wave Of Traditional Heavy Metal Ecke geschoben werden, präsentieren sich die Musiker mit ihrem neuen Album ‘Tales Of Fire And Ice’ von einer anderen Seite ihres Schaffens: Die neuen Songs sind härter, intensiver, aber vor allem: melodischer. Ist das schon Dark Power Metal? Ja, ist es!
Das Album beinhaltet neun Tracks sowohl die CD als auch die Vinyl LP erscheinen mit verschiedenen, exklusiven Bonus Tracks. Songs wie ‘Still Alive’ oder ‘Under Ice’ mit seinen eingängigen Riffs und seinem Ohrwurm-Refrain steht schon jetzt eine Zukunft als Stimmungskanone im Live Set der Band bevor, während Power Metal Monster wie ‘Crystal Sphere’ oder ‘One Question’ mit galoppierenden Doppelbässen” auch den anspruchsvollsten Headbanger zufriedenstellen sollten.
Der Titel des Albums fasst die Thematik der einzelnen Songs griffig und pointiert zusammen, dreht sich auf ‘Tales Of Fire And Ice’ doch alles um Legenden, Mysterien und Geheimnisse wie etwa ums Bermuda Dreieck, die Geschehnisse am Djatlow Pass, Entführungen von Außerirdischen oder um das Geistergebirge der Antarkits. Das Cover Foto stammt von Tim Tronckoe, dem berühmten belgischen Fotografen, der u.A. bekannt ist für seine Kooperationen mit Nightwish, Delain und Epica.

7 von 10 Punkte


DENNER’S INFERNO – In Amber

Release: 15.11.2019

INFO-Auszug

MERCYFUL FATE / KING DIAMOND GUITARIST MICHAEL DENNER BACK WITH NEW ALBUM “IN AMBER” FROM HIS NEW BAND DENNER’S INFERNO.
Although Michael Denner is not well-known in the mainstream music scene, the 60year-old guitarist is a very well-known name in the international rock/metal scene, as a former guitarist in respectively Mercyful Fate and King Diamond – the two most influential Danish rock/metal bands internationally ever. Michael Denner contributed with his distinctive guitar style and songwriting on classic Mercyful Fate albums such as “Melissa” (1983), “Don’t Break The Oath” (1984) and also the King Diamond classics “Fatal Portrait” (1986) and “Abigail” (1987). Mercyful Fate was also awarded the “pioneer award” at the Danish critics award “Steppeulven” in 2017. The first half-known band Denner joined was the Danish punk band Brats, which he joined in 1979. But both before Mercyful Fate returned in 1993, and Denner left the band again in 1996, he has also been very active with other musical projects, however. Force Of Evil, Zoser Mez, Denner/Shermann and Denner’s Trickba to name just a few.

And just the latter Denner’s Trickbag was the start of the brand new adventure with Denner’s new band – Denner’s Inferno. Denner’s Trickbag released a 2013 album with only cover numbers. But after a few replacements in the line-up, and with new American singer Chandler Mogel, the new band Denner’s Inferno was a reality. The love for ’70s hard rock, but with a more modern vibe and original songs should be the foundation.

Denner explains: “The big difference from the previous band is that this time I got the American singer Chandler Mogel to join the band, which has been a huge benefit. The big advantage is that Chandler and I share same musical taste in many ways, so he has been quick to capture exactly what I meant when I had an idea. At the same time, I had the opportunity to make an album with a singer who is just right in my taste. And then almost all songs are original compositions this time. The few cover versions on the other hand, are rearranged to fit in with the style and sound I would like to bring forth in my sound”.

And the love for ’70s hard and heavy rock is intact on the new album “In Amber”. But the inspiration from the progressive rock, which Denner, drummer Bjarne T. Holm and bassist Flemming Muus also loves so much, cannot be denied. Neither can his past in Mercyful Fate.
“No, I can’t run away from that”, admits Denner, and continues: “That’s my story, after all! The fingerprints I put on albums like “Don’t Break The Oath” and “Abigail” and the other albums from that time are part of me, so there will always be something pointing in that direction, no matter what I do. But my love for old Deep Purple, UFO, Jimi Hendrix and my other old heroes probably shines through as well. And then the progressive rock that we all love in the band”.

As for the lyrics on the record, Denners collaborator Jesper Harris has been responsible for that part with Denner. The couple have been inspired by each other, and thus Harris has written lyrics based on the mood of a Denner song, while Denner has also been inspired by one of Harris’ lyrics and then written the music. Eventually, however, Denner added his own lyrics and rearranged so that it all fit together. And the lyrics? Yes, they deal with human considerations and inner feelings of both good and evil.

“In Amber” will be released on November 15 2019. And is in Denner’s own words an album he have been looking forward to do in several years. Michael Denner himself elaborates: “This album I am totally 100% behind. It is so much me and what I stand for. I am a heavy rock musician by heart and I think this album shows it clearly”.
Recently, it has been announced that Michael Denner’s old band Mercyful Fate, with King Diamond in front, will be reunited in 2020 for a number of festival shows. To many fans’ surprise, Denner is NOT part of this line-up, which has caused much wonder. Michael Denner himself is incomprehensible: “I was not asked and received the news just two days before it became public news. I think it’s a shame for fans of the original Mercyful Fate, not least since I’m in the shape of my life. But now it’s all about putting it behind me, looking ahead and looking forward to the release of the upcoming Denner’s Inferno album “In Amber””.
”In Amber” is relased November 15th 2019 at Mighty Music on CD, LP and digitally
Words by Peter Mesnickow (Metalized Magazine)
FAZIT

Nicht schlecht was ich hier höre!Erinnert mich an URIAH HEEP!Vielleicht etwas “altbacken” im Gesamtsound…Aber das meine ich garnicht negativ!Das ganze hat einen gewissen Charme und mir macht das SPASS!Und nur das zählt!

8,5 von 10 Punkte


Lionheart – Valley Of Death

Release: 15.11.2019

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Die Könige des Hardcore aus der Bay Area in Kalifornien haben die Szene erstmals 2007 mit ihrem Debütalbum »The Will To Survive« gestürmt. Von Bands wie Blood For Blood, Hatebreed, und Madball beeinflusst, starteten Lionheart damit direkt mit einem brutalen Sturm von mörderischem Hardcore. Schon wenig später, im Jahr 2010 folgte »Built On Struggle« und 2012 legten sie mit  »Undisputed« und jahrelangem, konsequenten Touring nach.

Nach einer kurzen Pause nach der Veröffentlichung »Undisputed« kehrte die Band 2014 stärker denn je mit »Welcome To The Westcoast« zurück. Das Album stieg mit #1 sowohl in die iTunes Metal als auch in die GooglePlay Metal Charts ein. Lionheart eroberten im Januar 2016 erneut die Szene mit »Love Don’t Live here«. Der Album Titel, der eine Anspielung auf den R&B/ Motown Klassiker desselben Namens ist, zeigt den Widerwillen der Band, sich in die immergleiche „Hardcore-Schublade“ stecken zu lassen , genauso wie die bitteren und harschen Lyrics, für die die Band bekannt ist.

Im November 2017 veröffentlichten LIONHEART dann »Welcome To The Westcoast II«. Als eine Fortsetzung zu »Welcome To The Westcoast« (2014) läutete das Album eine neue Ära des kalifornischen Hardcores ein und brachte der Band erneut #1 in den iTunes Metal charts und Google Play Metal Charts ein.

Jetzt, nach zwei Jahren unablässigem weltweitem Touring kehren Lionheart mit ihrem bisher härtesten Album zurück: »Valley Of Death«. Mit einer Mischung aus metallischem Hardcore und harten West-Coast-Groove bietet Frontmann Rob Watson einen Einblick in ein Leben voller Qualen, Gewalt und einem unbeugsamen Willen, nicht aufzugeben.

7,5 von 10 Punkte


AVATARIUM – The Fire I Long For

Release: 22.11.2019

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This autumn our hearts will be enlightened by the fourth studio album of Sweden’s globally praised AVATARIUM.

They have no musical boundaries and that plays a vital part in ensuring they have a signature sound. This open-minded, yet doom-laden collective draws elements of folk, jazz and psychedelic brilliance into a grandiose amalgamation that manages to maintain an almost pop-like elegance.

After previous album »Hurricanes And Halos« (2017) the band toured the world with their now significant and utterly unique repertoire. Another successful EU headline tour took place in autumn 2017. Next, they focused on crafting the next installment in their catalogue which is titled »The Fire I Long For«.

 

AVATARIUM was founded in 2012 by Leif Edling, a prominent member of CANDLEMASS. The project soon saw the arrival of Marcus Jidell (producer CANDLEMASS) and Jennie-Ann Smith who brought an air of charisma with her soulful grace. Their eclectic approach resulted in the widely celebrated EP »Moonhorse« (2013), but the real impact came when the band released their eponymous debut album in the very same year. Their first live appearance outside Sweden happened at the legendary Roadburn festival in 2014 – resulting in another EP called »All I Want«. Since then they have expanded their touring to all over the world thanks to subsequent full lengths »The Girl With The Raven Mask« (2015) and »Hurricanes And Halos« (2017).

 

In the meantime, AVATARIUM has become an entity on its own. While Leif Edling still contributed three songs for the new album, the band’s current nucleus consists of Marcus Jidell and Jennie-Ann Smith, who are accompanied on this record by organist Rickard Nilsson and new drummer Andreas ‘Habo’ Johansson (THE DOOMSDAY KINGDOM). They crafted the new ideas into songs with Jidell as producer at Deep Well Studios in Stockholm. Says Jidell: This is really a band effort. We have all been very involved in the arrangements of the songs on »The Fire I Long For«”. We move with ultimate dynamics between heaviness and fragility. It is emotional and it will always have those dark elements in it, it is all about light and shadow”.

Adds Jennie-Ann: Leif’s artistry, willfulness and supreme songwriting is a great inspiration.

We have a heritage to take care of but also a responsibility to propone growth and development for our music.” Jidell concludes: ‘We were able to define the AVATARIUM sound better than ever. Leif and I keep on working together a lot – just think of THE DOOMSDAY KINGDOM or CANDLEMASS – but it does not restrict us from adding new elements to the AVATARIUM sound.’

 

This record showcases the essence of a band who has found its signature sound, no matter what happens. Slightly developing, step by step on every release, »The Fire I Long For« includes nine genuine songs of exceptional purity. This fire they are yearning for is reflected in every single song on this album. Starting with the chunky sound of bombastic opener ‘Voices’, AVATARIUM also offers intimate beauty, represented by first single ‘Rubicon’ and the relaxed, sensitive ‘Lay Me Down’ with its smooth Americana feel. The wealth of variation on the Swede’s fourth statement is enriched with the doom-rooted heaviness of ‘Porcelain Skull’ and ‘Epitaph Of Heroes’, which the band describes as a rather idiosyncratic AVATARIUM song. The record is topped off with the bare intensity of the jazz-inspired piano ballad ‘Stars They Move’, bringing »The Fire I Long For« to close.

 

The band is a superior vessel with which the individuals can express emotions and thoughts – about life and afterlife, about relationships and the essential themes in life.

Jennie-Ann tells about this personal approach: “Although it is not a concept album, human existential questions are a constant factor, both in the lyrics and music. Songwriters such as Bob Dylan and Leonard Cohen remain beautifully unattainable and untouchable for me but serve as a great inspiration that I always seem to return to. I prefer lyrics to be symbolic, poetic and strong – the result of our work is a heavy, dark gospel of emotional bliss.”

FAZIT

Ich sag mal so:Es ist kein schlechtes Album…Aber reißt mich auch nicht so mit,als das ich es jeden Tag 5 Mal hören will…Musikalisch ist das,was ich höre,wie gewohnt auf den Punkt eingespielt!Aber in der Gesamtheit langweilt es mich!LEIDER!

7,5 von 10 Punkte


Adrian Benegas – THE REVENANT

Release: 15.11.2019

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Adrian Benegas, Komponist, Keyboarder und Unternehmer, wurde am 1. März 1989 in Asuncion, Paraguay geboren und ist vor allem durch das internationale Metal Projekt Tragul bekannt. Der Beginn seiner Karriere liegt jedoch 2008 bei Pergana, die auf zwei EPs kommen. 2015 gründet er Abracadabra mit Emilie Ragni (Luca Turilli) am Gesang und veröffentlicht die beiden EPs „Forbidden Magic” (2015) and „Samhain Night” (2016).

Ein Jahr später betritt er mit Tragul endgültig professionelles Territorium und verpflichtet Musiker wie Alex Holzwarth, Oliver Holzwarth (Blind Guardian), Steve Conley, Zuberoa Aznarez and Sander Zoer. Die Band beschreitet neue, ungewohnte Wege ihrer Musik Gehör zu verschaffen und veröffentlicht im „Song by Song“-Format. Seit Juni 2017 kommen sie auf 8 Singles, allesamt mit beachtlichen Reviews, die das Potential der Gruppe unterstreichen.

2019 und parallel zu Tragul beginnt Benegas das bislang ambitionierteste Projekt, ein Solo-Album für das er das Konzept, die Texte und die Musik alleine kreiert. Auf diesem Werk sind die Stimmen von Ralf Scheepers (Primal Fear), Herbie Langhans Avantasia, Henning Basse (Firewind), Zuberoa Aznarez (Diabulus in Musica, Tragul) sowie ein BasisLine-Up aus Paraguay mit Sebastian Ramirez (d) and Diego Bogarín (g, Tragul) zu hören.

Adrian Benegas’ Debüt liegt ein Konzept zugrunde, eine tiefgreifende Geschichte über die Reise einer unerlösten Seele von den Tiefen der eigenen Hölle bis an den Rand des inneren Paradieses auf der Suche nach Selbsterkenntnis. Man muss festhalten, dass die Platte einen Einblick in die menschliche Erfahrung mit allen Höhen und Tiefen ermöglicht, um dann zu einem guten Ende zu finden.

Die Produktion von „The Revenant“ übernahm Benegas selbst, für Mix und Mastering zeichnet bis auf „Servants Of The Death“ Jacob Hansen verantwortlich. Hier mixte Alberto Brain und das Mastering besorgte Maor Appelbaum. Das Artwork geht auf Carlos Fides (Artside Studios) zurück.

www.adrianbenegas.com

FAZIT

Diesen Namen sollte man sich merken!Der Junge hat hier ein Album “gezaubert”,welches zu keinem Zeitpunkt langeweile aufkommen lässt!

Besonders die Klassik-Elemente stechen besonders hervor und lassen dieses Album “atmen” und zu dem werden,was es ist:HAMMER!

9 von 10 Punkte


Molly Hatchet – BATTLEGROUND

Release:29.11.2019

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It’s no secret that a lot of fans measure the artistic value of a rock band mainly by the quality of a group’s live performance. The Allman Brothers without their legendary concerts? Unthinkable! Lynyrd Skynyrd as just another anaemic studio project? Impossible to imagine! The same goes for Molly Hatchet as another legendary force among these protagonists of the longstanding history of Southern rock that, alongside lots of outstanding studio recordings, the band’s full potential comes into effect live on stage. Again and again, the musicians surrounding guitarist Bobby Ingram have reinforced their reputation as an awesome live act in brilliant live “battles”, so it comes as no surprise that requests by their international fan base for a new live recording have been growing increasingly insistent for a number of years. Now it’s ready to be unleashed at last: Battleground, a live offering consisting of a total of 19 songs, will be available on Steamhammer/SPV from 29 November 2019 as 2-CD Digipak, triple LP in a gatefold cover, and for digital download.

The fact that Molly Hatchet are scheduled to embark on a major tour of Germany and Switzerland almost simultaneously with the release of Battleground increases their fans’ anticipation of the new recording, which the band members consider to be a first-rate document of their creative power. Ingram refers to it as “the rewards of seeing and meeting generations of fans, hearing their life stories, listening to them speak of when they first heard a Molly Hatchet song on the radio.” The upcoming shows will see Ingram & Co. not only present their greatest hits, they will also introduce their new vocalist Jimmy Elkins, who has joined the fold to replace the late Phil McCormack, who sadly passed away in April 2019.

Elkins was the frontman of Florida band Bounty Hunter for a number of years, an act who has shared a stage with Molly Hatchet on various occasions over the past two decades. “To us it was the logical next step to ask Jimmy to become our new vocalist,” Ingram explains. “You can tell that he has the Southern rock gene and is a perfect match for Molly Hatchet, not only on a musical but also on a personal level.” With Elkins at the centre of their high-decibel Southern rock music, Ingram and his longstanding band mates, keyboardist John Galvin, bassist Tim Lindsey and drummer Shawn Beamer, continue to be a powerful musical force. Which is one of the reasons why the Molly Hatchet classics – from the opening track ‘Bounty Hunter’, the harddrinking ‘Whiskey Man’, the programmatic anthem ‘Son Of The South’ and fan faves such as ‘Edge Of Sundown’ and ‘Fall Of The Peacemakers’ right up to the breath-taking finale, ‘Flirtin‘ With Disaster’ – really get down to business from the very first chords. Ingram: “In recording this album, we compiled a four-decade long catalogue of the songs that our friends wanted to hear. They would tell us what songs they wanted on the album, and we recorded them. Some of these songs have never been recorded on a live stage before, and we were honoured and proud to be able to perform them for many generations of past, present, and future Southern rock fans.”

Battleground was recorded in Pratteln, Switzerland, in Ludwigsburg, Germany, and during Molly Hatchet’s 40th anniversary tour of the United States and features amazing cover artwork created by Paul Raymond Gregory (Saxon, Motörhead, Uriah Heep, among others). Ingram looks back with legitimate pride and unmistakable modesty not only at the new live album but also at the band’s career to date: “Molly Hatchet has now been in the mainstream of Southern rock for over forty years and still counting. That in and of itself is an honour for every band member who experienced the journey along the way.” It’s this honour that listeners sense in every note on Battleground.

FAZIT

Über MOLLY HATCHED muss man garnicht viele Worte verlieren!Da weiß man,was man bekommt!Wie immer rockt es-ich habe garnichts anderes erwartet.Hinzu kommt hier ein Album,dessen LIVE-Sound einfach KLASSE ist!VOLLBEDIENUNG!

10 von 10 Punkte


ELUVEITIE – Live At Masters Of Rock

Release : 01.11.2019

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ELUVEITIE sind ein Phänomen, das sich seit mehr als 15 Jahren weltweit ausbreitet. Angefangen bei ihrem legendären Debütalbum „Spirit“ (2006) über das für das großartige „Slania“ (2008) bis hin zu ihrem letzten Meisterwerk „Ategnatos“ (2019), haben die Schweizer ein bahnbrechendes Rezept entwickelt. Fernab von jeglichen Trunkenheitsklischees und albernem Schlachtengetümmel haben sie einen Stil entwickelt, der das Beste aus Folk Metal und Melodic Death zu einer unvergleichlichen Einheit formt. Ihr großer Respekt vor der Geschichte, die sie in historischer Genauigkeit ausleben, gepaart mit fantastischem Songwriting, ergeben einen Sound, dem sich bis heute kaum ein Fan entziehen kann.

Insbesondere live zeigt sich die Hitdichte der eigenen Bandhistorie. Das wird auch 2019 wieder auf Platte eingefangen: ELUVEITIE entfesseln “Live At Masters Of Rock” mitten aus ihrem laufenden ATEGNATOS WORLD TOUR-Zyklus, der viele Songs ihres neuen Albums enthält! Das Live-Album wird am 1. November 2019 erscheinen.

Die Schweizer Folk-Metal-Institution präsentiert sich bei diesem denkwürdigen Auftritt einmal mehr in der außergewöhnlichen Lage, mitreißende Musik mit der mystischen und philosophischen Essenz der keltischen Mythologie, der gallischen Geschichte und der protoeuropäischen Kultur zu vereinen. Das Ergebnis ist ein meisterliches Schauspiel, das wie ein reißender Sturm durch die epochale Bandhistorie führt und Fans wie Schaulustige dazu verleitet, tief in den musikalischen Kosmos der Schweizer einzutauchen. Seien es aktuelle Songs wie „Ategnatos“ und „Rebirth“ oder ferner zurückliegende Hits wie „Helvetios“ oder „King“ – die Umsetzung ist atemberaubend. Natürlich fehlen auch die ganz großen Nummern von ELUVEITIE nicht in der Setlist: So darf ein jeder ab sofort in der heimischen Anlage die unschlagbare Energie genießen, welche die Band stets bei „The Call Of The Mountains“ oder „Inis Mona“ entwickelt.

„Live At Masters Of Rock“ zeigt einmal mehr, dass ELUVEITIE es verstehen, Dinge zusammenzufügen, die scheinbar nicht passen wollen. Insbesondere auf der Bühne prallen die verschiedene Elemente kraftvoll, gar in spiritueller Art und Weise aufeinander und werden wie auf dem Masters Of Rock bei einem einzigartig klaren und druckvollen Sound zu einem einheitlichen Sog verwoben. Die stürmische, gar urwüchsige Kraft des Melodic Death trifft auf die wundervolle, gar spirituelle Seele des Folk Metals und geht ganz ohne Klamauk direkt ins Langzeitgedächtnis über. So entstehen Hits, die auf musikalischer Klasse fußen, und Refrains, die so schön und einprägsam sind, dass sie einen direkt in längst vergangene, prä-industrielle Zeiten versetzen. „Live At Masters Of Rock“ zeigt die Quintessenz einer Band, deren Songs für die Bühne geschrieben sind und, wie ein Rausch, noch lange nachhallen werden.

FAZIT

Sicherlich ist das nicht das schlechteste LIVE-Album,wenn man mal vom Gesamtsound ausgeht!Da hab ich schon wesendlich schlechtere LIVE-Alben gehört,die absolut besch… klangen!Und ich liebe LIVE-Alben-wenn sie gut gemischt und bearbeitet wurden.Obwohl…den ein oder anderen “versinger” oder “verspieler” mag ich auch!Man soll ruhig merken,das es ein LIVE-Album ist!

Dieses hier ist schon Klasse!Ich bis jetzt nicht unbedingt Fan von ELUVEITIE…Aber sagen wir mal so:Die Herrschaften sind mir symphatisch und den ein oder anderen Song der Band mag ich auch.

8 von 10 Punkte


AGNOSTIC FRONT – Get Loud

Release: 08.11.2019

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Die Figur eines Paten wird als Vertreter eines Genres betrachtet; ein Pionier in einem bestimmten Bereich der Schöpfung. Nach drei Jahrzehnten, in denen sie die Hardcore-Szene prägten haben, haben AGNOSTIC FRONT hingegen den Hardcore beschützt und genährt, sodass er heute noch immer in seiner ursprünglichen Form gedeiht. Für eine Band, die ihren Ruf durch Ehrlichkeit gepflegt hat und ihre soziale Botschaft mit Nachdruck in die Welt trägt ist »Get Loud!« ein sehr passender Titel für ihren zwölften Langspieler. Obwohl sich das sozialpolitische Klima seit dem Release ihrer »United Blood« EP von 1983 stark verändert hat, so sind die Probleme der politischen Korruption und sozialem Unfrieden nur noch gewachsen und haben das Feuer von AGNOSTIC FRONT weiter geschürt. “Wir hatten schon immer eine Stimme; hatten viel zu sagen. Wir schreien nach Veränderung” kommentiert Fronter Roger Miret. “Sagt eure Meinung, seid laut, sagt, was ihr zu sagen habt. Seid die Veränderung, die ihr in der Welt sehen wollt. Du kannst nicht alles ändern, aber du kannst kleine Unterschiede bewirken, die irgendwann wichtig sein werden”.

Für ein so denkwürdiges Album war das Erneute Auftreten des CAUSE FOR ALARM Künstlers Sean Taggart elementar, um ein Werk zu schaffen, das erfolgreich Oldschool mit dem aktuellen Zustand der Welt kombiniert. Mit der Wiederbelebung des CFA Charakters in einem neuen Zeitalter wird das Artwork vielen AGNOSTIC FRONT Fans weltweit vertraut vorkommen, während es trotzdem eine moderne Frische beibehält. Als CFA 1986 erstmals veröffentlicht wurde, befand sich der Hardcore in einem Hoch und es ist diese Zeit, diese Atmosphäre, die das Album zum Ausdruck bringen soll.

»Get Loud!« besteht aus 14 Tracks und es mangelt ganz sicher nicht an klassischem New York Hardcore, doch auch die thrashige und punkige Seite kommt nicht zu kurz. der Titeltrack trägt eine Botschaft, die sich durch das gesamte Album zieht. Eine launische und fesselnde Version von “Wehrt euch, seid ihr diese alltägliche Routine nicht satt? Es ist Zeit für Veränderung und aufzuhören, immer denselben Weg zu gehen.  Darum geht es in »Get Loud!«”, kommentiert Miret. Songs wie ‘I Remember’ sind wichtige Einblicke in die Leben der Bandmitglieder von AGNOSTIC FRONT und passen daher auch gut zu der vor kurzem veröffentlichten Doku von Ian McFarland: “The Godfathers Of Hardcore” (2017). Obwohl er später geschrieben wurde, dient der Song schon beinahe als Titelsong für die Doku, in der Miret und Gründer/ Gitarrist Vinnie Stigma ihre Vergangenheit und ihre wichtigsten Platten Revue passieren lassen; selbst ihr erstes Treffen. Songs wie ‘Conquer And Divide’ sprechen darüber, wo wir als Menschen heute stehen. “Es ist, als wäre alles, was die Regierung je wollte, die Bevölkerung zu spalten und dann einzugreifen und alles zu übernehmen. Ich sehe doch wie es heute passiert; die sozialen Medien sind da nicht gerade hilfreich. Jeder hat jetzt ein Stimme, das verstehe ich schon, aber ich kann einfach nicht glauben, wie manche Leute sich so unüberlegt in etwas hineinstürzen, dem sie egal sing”, erklärt Miret. “Die Macht der Sprache, Macht der Gedanken, Redefreiheit, frei leben oder sterben, Widerstand leisten, die Mauern niederzureißen, die uns trennen”.

Die raue emotionale Reise von “The Godfathers Of Hardcore” hat immer noch einen Effekt auf das kommende Album. “Es war kein bisschen so, wie ich es erwartet habe, es war echt verrückt, weil es einfach so sehr wie WIR war”, erinnert sich Miret. “Das zu haben war ziemlich unglaublich, für meine Familie, für die Zukunft meiner Familie. Wenn man etwas digital rausbringt, ist es da für immer. Ich bin sehr froh, dass wir nie so etwas gemacht haben, und es nun das geworden ist. Es wird alle Zeit überdauern. Es ist nicht nur ein Film über Punk oder Hardcore, oder Metal, es geht um die Menschheit und das ist genial“.

Eine Old-School-Band in der modernen Zeit kann eine Umstellung sein, aber es gibt etwas über die technischen Mittel zu sagen, die es AGNOSTIC FRONT ermöglichten, ihr neues Album zu schreiben, selbst mit einiger Distanz zwischen den Kern-Mitgliedern der Band. Ideen, Lyrics und Riffs wurden digital zwischen den Musikern ausgetauscht und sobald solide Song-Gerüste standen, wurden das finale Songwriting, die Feinheiten und die Aufnahmen persönlich fertiggestellt. Die Produktion hat Miret selbst übernommen, während der alte Freund Paul Miner von den Buzz Bomb Studios für das Tracking, Mixing und die Aufnahmen zuständig war. »Get Loud!« ist jetzt arrangiert und bereit, von Fans überall auf der Welt gehört zu werden.

„Etwas Authentisches. Ich denke, das ist der Grund, warum es uns noch gibt. Die Leute sehen uns und sehen dann etwas, das echt und ehrlich ist und wollen ein Teil davon sein. Wer will schon zu etwas Falschem gehören? Wenn du zu etwas eine Verbindung spürst und es sich echt anfühlt, dann willst du mehr darüber wissen und ein Teil davon.”

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FAZIT

Um das mal schon vorab ganz klar zu klären:Ich mag die Band in MUSIKALISCHER Hinsicht nicht!Grundsätzlich (ALLE Alben) strengt mich das,was ich höre,enorm an.Besonders-und das beziehe ich nicht auf die Person-mag ich diese Vocals bzw. Stimmfarbe und die Art des singens von Roger Miret einfach nicht!Ich schreibe hier als Musikfan und nicht als jemand,der hier jeden Part eines Albums seziert!Und als Musikfan gebe ich der folgende Punktzahl:

3 von 10 Punkte


BLIND GUARDIAN TWILIGHT ORCHESTRA – Legacy Of The Dark Lands

Release : 08.11.2019

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Manche Dinge brauchen Zeit. Rom zum Beispiel wurde nun wirklich nicht an einem Tag erbaut und auch Professor Tolkien ließ seine Leser viele Jahre auf sein Jahrhundertepos »Der Herr der Ringe« warten. BLIND GUARDIAN wissen das besser als viele andere. Die Band ist bekannt dafür, jahrelang über ihren ausgefeilten Konzeptalben zu brüten – um sich dann jedes Mal aufs Neue in Sachen Epik, Bombast und Tiefgang zu übertreffen. Wenn also solch eine Institution, solch ein Fantasy Metal-Aushängeschild ganz bewusst ein nie dagewesenes Mammutprojekt ankündigt… dann sollte man, nein: dann muss man sich auf einen Sturm gefasst machen.

Ein Sturm, wohlgemerkt, der sich über 20 Jahre lang zusammenbraute, bis er zu einem Orkan angeschwollen war – und endlich entfesselt wird. Das hier ist ihr Rom, ihr »Der Herr der Ringe«. Eine Wasserscheide. BLIND GUARDIAN TWILIGHT ORCHESTRA ist zum Leben erwacht. Und in der Welt des sinfonischen Metal wird nichts wieder so sein, wie es war.

Das ist bemerkenswert, denn immerhin handelt es sich bei »Legacy Of The Dark Lands« gar nicht um ein Metalalbum im klassischen Sinne. Aufmerksame BLIND GUARDIAN-Kenner werden es längst geahnt haben: Dieses Werk ist tatsächlich das sagenumwobene, von langer Hand geplante und vor Ewigkeiten begonnene Orchester-Monumentalwerk einer der erfolgreichsten, legendärsten und prägendsten deutschen Metalbands. Schwer zu glauben und doch wahr: Eines der ambitioniertesten – und möglicherweise auch größenwahnsinnigsten – Projekte der Metalgeschichte ist Wirklichkeit geworden. „Ich bin sehr erleichtert, dass wir dieses Werk tatsächlich vollendet haben“, so Gitarrist André Olbrich. „Auf diesen Moment habe ich viele, viele Jahre gewartet.“

23, um genau zu sein: Die erste Idee für ein reines Orchesteralbum reicht bis ins ferne Jahr 1996 zurück. „Als wir damit anfingen, hätten wir beide niemals gedacht, dass wir uns über einen solch langen Zeitraum damit beschäftigen würden“, sagt Hansi Kürsch, der natürlich auch diesem Mammutprojekt seine unvergleichliche Stimmgewalt leiht. „Wir kamen damals ja wie die Jungfrau zum Kind zu diesem Orchesterprojekt – und plötzlich entwickelte sich solch ein Monster daraus.“ Ein Monster, wohlgemerkt, das die beiden bis zum Schluss zu bändigen wussten. „Ich war schon nach unserem ersten fertigen Song Feuer und Flamme für die Idee“, so Olbrich. „Ich spürte, dass das hier etwas Neues war, etwas ungemein Kreatives. Es gab und gibt einfach nichts Vergleichbares.“ Das stachelte die beiden an – und war zudem ein guter Ausgleich zum normalen Tagwerk. „Wenn ich mal nicht weiterkam, setzte ich mich an das Orchesterprojekt und bekam den Kopf wieder frei“, meint Olbrich. Letzten Endes profitierten alle davon, so der Gitarrist: „Vieles von dem, was wir bei diesem Album gelernt haben, konnten wir schon in die letzten BLIND GUARDIAN-Werke einfließen lassen. Eine Nummer wie beispielsweise ‘And Then There Was Silence’ hätte es ohne dieses Projekt nie gegeben.“

Jetzt ist »Legacy Of The Dark Lands« da. Und macht sprachlos. Mit der ungebremsten Allmacht des 90-köpfigen Prague Filmharmonic Orchestra im Prager Rudolfinum aufgenommen, entfachen BLIND GUARDIAN TWILIGHT ORCHESTRA einen Klangsturm, der sich nicht hinter den ganz großen Fantasy-Soundtracks verstecken muss. Und nicht nur das: Erdacht und konzipiert mit Fantasy-Großmeister Markus Heitz, liefert dieses Album die direkte Fortsetzung seines Bestsellers »Die dunklen Lande«, der in die Zeit des Dreißigjährigen Kriegs und direkt hinein in ein apokalyptisches Geheimnis führt. Monumental, düster, ergreifend, voller Hymnen und großer Refrains: Das hier ist BLIND GUARDIAN pur. Nur eben ohne Gitarren.

Dass es eines Tages zu einem solchen Monument orchestraler Brillanz kommen musste, deutete sich lange Jahre an. 1984 in Krefeld gegründet und ab 1987 unter dem Namen BLIND GUARDIAN aktiv, prägte die Band das Genre des deutschen Speed Metal musikalisch wie inhaltlich. BLIND GUARDIAN waren die ersten, die sich in ihren Texten Mittelerde und der Mythologie J.R.R. Tolkiens hingaben – viele Jahre vor den Verfilmungen, wohlgemerkt. Mit den Neunzigern zogen vermehrt orchestrale und sinfonische Elemente in den bombastischen Sound der Band ein; all das gipfelte im 2015 bei Nuclear Blast erschienenen Referenzwerk »Beyond The Red Mirror«, das die 1995 auf »Imaginations From The Other Side« begonnene Geschichte fortschrieb.

Partituren, Dirigenten, dutzende Musiker: »Legacy Of The Dark Lands« ist selbst für BLIND GUARDIAN eine andere Liga. „Die Größe des Orchesters im Mix einzufangen, war eine ganz schön harte Nuss“, bekennt Olbrich. „Wir waren ja live bei den Aufnahmen dabei und da klang es absolut überwältigend.“ Er lacht. „Wir mussten nur einen Weg finden, das auf einen Tonträger zu bannen.“ Auch Hansi Kürsch stand vor großen Herausforderungen: „Gegen ein Orchester anzusingen, verlangte mir einiges mehr ab als ich es vom Performen mit einer Metalband gewohnt bin. Das war ein langer Findungsprozess, bei dem ich jedes Stück des Albums in drei verschiedenen Versionen eingesungen habe – von archetypisch BLIND GUARDIAN bis Klassik. Ich tauchte richtig ab in diese Welt und experimentierte mit verschiedenen Texten, um zu schauen, welche Worte am besten klingen.“ Die richtigen Worte zur richtigen Zeit, das weiß auch Hansi Kürsch, haben die Gabe, die Welt zu verändern.

Man merkt schon: All das kostete sehr viel Zeit, Mühe, Schweiß und Nerven, aber: Sie haben es tatsächlich geschafft. Gekrönt von einer düsteren Geschichte, die förmlich nach einer opulenten Verfilmung kräht, ist das hier der Gipfel einer über 20-jährigen Expedition. Es ist das Projekt aller Projekte, eine Errungenschaft, die der Krone BLIND GUARDIANs einen weiteren funkelnden Edelstein einbringen wird. Ein Werk, beseelt vom Geiste BLIND GUARDIANs, ausformuliert als monumentaler Fantasy-Soundtrack und gesprochen von Stimmen, die schon auf dem legendären »Nightfall In Middle-Earth« zu hören waren – ein hübsch nostalgischer Bogen von der Gegenwart zu den Ursprüngen dieses Projekts. Und auch wenn »Legacy Of The Dark Lands« erst noch veröffentlicht wird, so rattert es in den Köpfen von Kürsch und Olbrich schon jetzt mächtig: Verfilmung? Bühnenstück mit Orchester und Lesung? Metalfassung? „Sagen wir so“, meint Olbrich schmunzelnd, „wir haben schon wieder viel mehr Ideen als wir Zeit haben.“ Das ist in Ordnung. Die nahe Zukunft wird sowieso von »Legacy Of The Dark Lands« beherrscht werden.

© Björn Springorum

10 von 19 Punkte


CARL DIXON – Unbroken

Release: 29.11.2019

INFO-Auszug

Nach drei Platten zwischen 1982 und 1985, die jedoch die nötige Unterstützung des (vermeintlichen) Major-Labels vermissen ließen, wuchs der Frust bei Dixon. Trotz langer Tourneen gelang der Durchbruch in der nordamerikanischen Heimat – ein Schicksal, das nordamerikanische Gruppen tragischerweise oft teilen – nicht, obwohl die Formation in Europa beachtliche Erfolge erzielen konnte. Jedoch sollte die Band davon erst Jahrzehnte später wirklich erfahren. Erst ihr triumphaler Gig beim 2014er Firefest in England öffnet der Band die Augen. Zwischenzeitlich fokussiert Dixon sich auf das Schreiben für andere Künstler, doch auch hier erweist sich der amerikanische Markt als schwierig, zumal Anfang der Neunziger Grunge auf der Bildfläche erscheint. Dixon verschiebt den Fokus erstmalig in Richtung Europa, speziell Deutschland, wo nun auch die Wiederveröffentlichung von „One“ erfolgt. Es finden sich fünfzehn Songs auf dem Album, u.a. eine gemeinsame Komposition von Dixon und Brett Walker („One Good Reason“) sowie das an „Aerosmith trifft auf Def Leppard” erinnernde „Taste Of Love“.

Dixons erste Frau Stella ist ebenso wie z.B. Mark Santer (Santers) or Mike Shotton (Von Groove) an den Backing Vocals zu hören. Die Aufnahmen dauerten insgesamt nur einen Monat und erfolgten in vier verschiedenen Studios. Der Kanadier blickt mit Stolz auf das dieses Werk, sowie auf die Tatsache, dass die Fans sich an dieses für ihn sehr wichtige Album erinnern. Nach einiger Zeit bei The Guess Who und April Wine und einem schweren Autounfall in Australien vor gut zehn Jahren sind Coney Hatch wieder da, und das erste Zeugnis dessen stellt das 2013er Werk „Four“ dar. Weitere Solo-Alben Dixons folgten. Ein Brandneues („Unbroken“) steht in den Startlöchern und entstand in Zusammenarbeit mit Robby Böbel von Frontline.

Nach dem Re-Issue des Klassikers ‚One’ im Oktober 2019 erscheint nun die erste gemeinsame Zusammenarbeit von Carl mit dem deutschen Gitarristen, Produzenten und Songwriter Robert Boebel (Frontline, Phantom V). Das Album erscheint unter dem Namen Carl Dixon „Unbroken“ und bietet alle typischen Trademarks des Melodic Rock: einprägsame Hooks, starke Melodien, ein tolles Gitarrenspiel und eine knackige Produktion. Das Schlagzeug steuerten Mark Santer (Santers) und Newcomer Dylan Gowan (Vesperia, Cardinal Street) bei.

FAZIT

Hier höre ich schönen Melodic Hardrock mit einer Stimme,die ich mag!Warum?CARL DIXON singt-und “ballert” seine Stimme nicht einfach so raus!Und diese Simme klingt “anders”…manchmal leider ETWAS zu gepresst.Aber auch diese gepressten Passagen klingen!In der Gesamtheit:Ein interessantes Album,welches man gut hören kann und auch echt SPASS macht!

8 von 10 Punkte


QUIET RIOT – Hollywood Cowboys

Release: 08.11.2019

INFO-Auszug

QUIET RIOT is a rock & roll phenomenon. Widely known as the first heavy metal band to top the US pop charts, the Los Angeles quartet became a global sensation thanks to their monsterous smash hit 1983 album, “Metal Health”. That album topped the Billboard album charts for several months and the follow up album, “Condition Critical” went double platinum. The band has continued to record (a total of 11 studio albums) and tour throughout their 30 + year history.

QUIET RIOT continues their historic journey with founding member and drummer Frankie Banali, who is joined by veteran bassist Chuck Wright (who has been in and out of the band since 1982) and guitarist Alex Grossi (who has been in the band since 2004). With their latest release “Road Rage” Quiet Riot introduced to the fans powerhouse vocalist James Durbin, who stepped in the eleventh hour to give his imprint to the new songs.

With “Hollywood Cowboys” James finally takes full control and is going to blow everyone away with his amazing set of pipes.

Frankie Banali’s history with QUIET RIOT spans over 34 years and he has the distinction of being the only member of QUIET RIOT to have recorded on every single QUIET RIOT release. After nearly ten years since the loss of his friend and co-founding member and bandmate Kevin DuBrow, and with careful consideration, soul searching and with the blessings and support of Kevin DuBrow’s family, Frankie has moved forward with the band to bring the fans a new record!

Musically, the new album offers exactly what you would expect from QUIET RIOT. Arena ready hard rock with strong hooks and infectious riffs, along with a maturity in the songwriting that only a band with such a history and pedigree can offer.

QUIET RIOT have come back stronger than ever, in perfect METAL HEALTH with the new album: “ Hollywood Cowboys”! Catch them on the road this summer!

FAZIT

Ich muss zugeben:Ein Fan von QUIET RIOT war ich noch nie.Auch dieses Album ist nicht wirklich “meins”.Die Vocals töten mir echt den Nerv!Musikalisch…nunja…das find ich ganz ok!Mehr aber auch nicht.Hinzu kommt für mich ein Gesamtsound,der in meinen Ohren-wie soll ich sagen-nicht perfekt klingt.In der Gesamtheit find ich QUIET RIOT-Alben immer sehr anstrengend.Aber das alles muss natürlich jeder für sich endscheiden!

6 von 10 Punkte


Pretty Maids – Undress Your Madness

Release: 08.11.2019

INFO-Auszug

“Undress Your Madness” is Pretty Maids’ highly anticipated follow up to 2016’s critically and commercially successful release “Kingmaker”, a record that continued the “revitalized” path that the band set out upon with the now classic albums “Pandemonium” and “Motherland.”

It’s always difficult to follow a successful and inspired record, but “ Undress Your Madness” shows Pretty Maids are still in the freshest and most vital phase of their career since the early 90’s.

The production is absolutely stellar thanks to Jacob Hansen (Volbeat), who has given the band a sound that not only reinvigorates them, but also incorporates the soundscapes of the past. Modern and classic at the same time, if you will.

What can then be said about Ronnie Atkins and Ken Hammer? One of the best song writing teams in the genre, hands down. Atkins’ voice just gets better and better as the years go by. Menacing and vicious one minute, melodic and soothing the next. Likewise, Hammer is on fire here and lays down some of his heaviest riffs in recent memory.

Every track on this beauty is worthy of attention whether it is an in-your-face melting barn burner such as the storming opener “Serpentine,” the title track, and “Black Thunder” or timeless melodic metal anthems such as “Firesoul Fly” and “Will You Still Kiss Me (If I See You In Heaven)” or even a superb power ballad like “Shadowlands”. This record has everything Pretty Maids could possibly ask for!

Don’t miss them when they play live in a city near you – you’ll be blown away by the explosion of Danish dynamite!

FAZIT

Und wieder ein Album,das KNALLT!So,wie ich es von den Jungs gewohnt bin!Die können garnichts anderes,als TOLLE Alben rauszuhauen!Na gut-das ein oder andere war nicht so dolle-aber auch die “schwächeren” Alben hatten immer ihren Charme und knallten nach einer gewissen Zeit des hörens!

10 von 10 Punkte


PRONG – Age Of Defiance

Release : 29.11.2019

INFO-Auszug

Wie kaum eine andere Metal-Band der Gegenwart stehen Prong für Bodenständigkeit, Durchhaltevermögen und enge Fan-Verbundenheit. „Schon zu Beginn unserer Karriere haben wir fast alles selbst gemacht“, blickt Gitarrist, Sänger und Bandgründer Tommy auf die intensive und überaus arbeitsreiche Frühphase in den 1980ern zurück. „Wir schrieben nicht nur Songs und nahmen Alben auf, sondern managten uns selbst, organisierten das Merchandise, schickten Demos zu den Clubs und buchten die Vans. Anschließend gab es zwar ein paar Jahre, in denen Plattenfirmen und Agenturen involviert waren und uns unter die Arme griffen. Aber heute ist die Situation wieder so wie am Anfang, wir kümmern uns um alles selbst, der Kreis hat sich geschlossen.“ Jüngster Coup dieses großen Engagements: Am 29. November 2019 erscheint über Steamhammer/SPV eine neue Prong-EP auf Digi-CD und 12“-Vinyl, mit zwei topaktuellen Studionummern und drei Live-Tracks. Titel der EP: Age Of Defiance. Als erster Vorbote dieser hörenswerten Veröffentlichung kommt bereits am 25. Oktober 2019 die Digitalsingle ‚End Of Sanity‘.

Mit Age Of Defiance überbrücken Prong gezielt die für ihre treue Anhängerschaft nur schwer auszuhaltende Übergangsphase zwischen zwei regulären Alben. Seit Veröffentlichung der 2017er Scheibe Zero Days tourt die Gruppe unermüdlich durch die Welt, somit wäre vermutlich erst ab Ende 2020 mit einem Nachfolge-Album zu rechnen. Victor: „Damit unsere Fans nicht so lange auf neue Songs warten müssen, schieben wir diese EP ein. Nach so vielen Longplayern möchte ich diesmal einen kleinen Zwischenschritt einlegen, einerseits weil es die beiden Studionummern der EP absolut verdienen, andererseits weil man die Energie natürlich besonders hochhalten kann, wenn man an nur zwei Stücken arbeitet. Ich denke, dass man die große Spielfreude der Band in jedem Ton spürt.“

Eröffnet wird die neue 5-Track-EP mit dem Titelsong ‚Age Of Defiance‘, den Victor als „eher ungewöhnlich für Prong“ beschreibt. „Die Nummer ist absolut kraftvoll, mit tollem Groove, eingängigem Refrain, alles sehr frisch und modern.“ Bei der zweiten Studionummer ‚End Of Sanity` handelt es sich dagegen nach Angaben des Prong-Machers um einen „für uns typischen Thrash/Hardcore/Crossover-Song, den ich gezielt für die Amerikatournee mit Agnostic Front geschrieben habe. Wer Prong mag, wird diese Nummer lieben.“ Abgerundet wird Age Of Defiance mit drei Live-Tracks, die Victor & Co. auf ihrer großen Headlining-Tour im April 2015 im Berliner ‚Huxleys Neue Welt‘ aufgezeichnet haben: ‚Rude Awakening‘ vom gleichnamigen 1996er Opus, plus ‚Another Worldly Device‘ und ‚Cut Rate` vom 1994 MajorAlbum Cleansing. Insgesamt fünf Songs also, die einen gekonnten Bogen zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft schlagen. Produziert wurde die aktuelle Scheibe von Tommy Victor und Chris Collier (Korn, Lynch Mob, Ultraphonix), einem ausgewiesenen Studiofachmann mit dem richtigen Gehör für perfekte Prong-Dynamik. Collier hat Age Of Defiance auch gemischt und gemastert. „Chris ist ein wunderbarer Toningenieur, der meine Ideen sofort versteht und dann perfekt umsetzt“, lobt Victor seinen Produktionspartner und fügt hinzu: „Wir arbeiten schon seit Jahren zusammen, mit Chris sind auch Ruining Lives (2014), Songs From The Black Hole (2015), XNo Absolutes (2016) und Zero Days (2017) entstanden.“

Man spürt, dass Tommy Victor mit der aktuellen Situation in Prong, zu der auch Bassist Jason Christopher und Schlagzeuger Aaron Rossi gehören, außerordentlich zufrieden ist. „Aaron ist ein echter Powerhouse-Drummer und gibt dieser Band ihr rhythmisches Fundament“, schwärmt Victor. „Er war schon 2007 auf Power Of The Damager zu hören und ist im vergangenen Jahr zu uns zurückgekehrt. Aaron wiederum ist bereits seit acht Jahren bei uns und auf der Bühne ein großartiger Performer. Neben dem leider verstorbenen Paul Raven ist er der beste Bassist, mit dem ich jemals gespielt habe.“ Also alles im Lot bei Prong? „Absolut“, strahlt Tommy Victor, „diese Band ist mehr denn je wichtiger Bestandteil meines spirituellen Lebens. Ich leite sie nicht aus Gründen von Ruhm oder Ehre, sondern aus Dankbarkeit und Demut, dass Gott mir dieses Geschenk gemacht hat.“

FAZIT

…und wieder eine Band,mit der ich nie RICHTIG “warm geworden” bin-und es wahrscheinlich auch nie werde!Aber Geschmäcker…bla bla;)

Der Sound des Albums:mag ich,weil schön fett!Der Rest:Echt nicht mein Ding-wie erwähnt!Ok-es gibt so die ein oder andere Passage innerhalb der Scheibe,die ich ganz nett finde!Aber das war´s dann auch schon!

6 von 10 Punkte


SODOM – Out Of The Frontline Trench

Release : 22.11.2019

INFO-Auszug

Die Nähe einer Metal-Band zu ihren Fans lässt sich unter anderem auch daran bemessen, wie lange sie ihre Anhängerschaft auf neue Songs warten lässt. So gesehen gelten Sodom als absolute Vorbilder, denn seit je her versorgen sie ihre große Anhängerschaft regelmäßig mit neuem „Futter“. Nach Veröffentlichung ihres noch immer aktuellen Albums ,Decision Day‘ wurde – rechtzeitig zur großen Europatournee im Dezember 2018 – die EP ,Partisan‘ nachgelegt. Jetzt zeigen sich die Gelsenkirchener Thrashmetaller um Galionsfigur Tom Angelripper (Gesang, Bass) erneut spendabel: Noch bevor demnächst die Arbeiten am kommenden Longplayer beginnen, legen Sodom ihr brandneues Mini-Album ,Out Of The Frontline Trench‘ vor. Tom nennt die Scheibe „ein Lebenszeichen an die Fans“ und präsentiert zusammen mit seinen Gitarristen Frank Blackfire und Yorck Segatz, sowie Schlagzeuger Husky drei brandneue Songs plus zwei Klassiker (einer davon re-recorded, der andere live mitgeschnitten). Damit spannt ,Out Of The Frontline Trench‘ einen großen Bogen zwischen (Sodom-) Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Im Mittelpunkt des neuen Mini-Albums steht der Song „Genesis 19“, laut Tom der erste offizielle Vorbote des geplanten, voraussichtlich ebenso betitelten Longplayers. Es sind die typischen Sodom-Attribute, die auch für „Genesis 19“ gelten: handfester Thrash Metal, beinhart und temporeich, erdig und ambitioniert, mit einem für Tom charakteristischen Text über die (in der Bibel erwähnte) Zerstörung der Städte Sodom und Gomorrha. „Das Thema hat mich schon immer fasziniert“, erklärt Tom, „allerdings habe ich mich, unabhängig von religiösen Aspekten, der Geschichte von einer historischen Seite genähert und die Frage aufgeworfen, ob es nicht eher ein Naturphänomen wie etwa Meteoriteneinschläge gewesen sein könnte, das die Städte in Schutt und Asche gelegt hat. Im Songtext habe ich aber die Geschichte von Lot, einem Einwohner von Sodom, für diesen Song neu interpretiert, um auch der originalen Bibelversion gerecht zu werden.“ Zusätzlich zu ,Genesis 19‘ gibt es auf ,Out Of The Frontline Trench‘ mit dem Titelsong und ‚Down On Your Knees‘ zwei weitere nagelneue Tracks. Beide Stücke setzen sich inhaltlich mit dem Grauen des Ersten Weltkriegs auseinander. Tom: „Durch Postkarten und Briefe meines verstorbenen Opas, die ich in seinem Nachlass gefunden habe, aber auch durch Fernsehdokus ist bei mir ein vages Bild davon entstanden, was es damals für Soldaten bedeutete, aus ihren Schützengräben heraus in lebensbedrohende Schlachten ziehen zu müssen.“

Abgerundet wird ,Out Of The Frontline Trench‘ durch eine neu eingespielte Version des Sodom-Klassikers ‚Agent Orange‘ (das wegweisende Album hat in diesem Jahr sein 30jähriges Jubiläum) sowie einer im Juni 2018 in der Schalker Veltins Arena mitgeschnittenen Live-Version von ‚Bombenhagel‘, an dessen Ende Angelripper & Co. das ‚Steigerlied‘ als kleines Gimmick eingebaut haben. Aufgenommen und co-produziert wurde ‚Out Of The Frontline Trench‘ von Klaus Spangenberg. Tom: „Klaus ist gleichzeitig auch unser FOH (Live-Mischer) und hat dafür gesorgt, dass die neuen Songs besonders lebendig und authentisch klingen. Also: keinerlei Trigger-Signale, keine digitalen Profiling-Verstärker, sondern so viele analoge Geräte wie möglich, um die unerklärliche Magie einzufangen, die zwischen Gitarrenboxen/Drums und Mikrophonen entsteht. Andere werben mit dem Slogan ‚Back to the roots‘, wir machen es!“ Kein Zweifel: In ihrer neuen Besetzung strotzen Sodom vor Energie und Ideenreichtum. Erfreulicherweise lassen sie ihre Fans daran teilhaben und verkürzen mit ,Out Of The Frontline Trench‘ die Wartezeit bis zum nächsten Album.

FAZIT

Nun…was soll man zu und über SODOM noch sagen:EINFACH KULT!

10 von 10 Punkte


Tygers of Pan Tang – Ritual

Release : 22.11.2019

INFO-Auszug

The Tygers of Pan Tang are set to release their new album in November on Denmark’s Mighty Music. This will be their second album with the label and also the second recording by the current line-up. The album was recorded at ex Tygers’ guitarist Fred Purser’s studio in Newcastle Upon Tyne and mixing and additional production was again conducted by Soren Andersen, most recently known for his role as Glen Hughes’ guitarist.
Titled ‘Ritual’ the album features 11 new songs. Of the album title vocalist Jack Meille explained ‘Making an album is some kind of ritual. There is something sacred in writing songs as nobody can really tell where the inspiration for a riff or a melody comes from. You can never tell when it’s the right time to write a song and you can allow yourself to be inspired; it’s like embracing the energies of all members and being connected’

The band worked on the songs for over a year, constantly revisiting and revising their ideas which coalesced in what the band feel is their best album since the revered ‘Spellbound’. Guitarist Micky Crystal explained further, “Coming up with the album title was a tricky one as we had all made a conscious effort to not have it be a song title which we felt would steer the listener in the direction of that particular song. We feel that we have an album of songs where each one stands up on its own merit. The one title that we all feel captures the vibe of this album as well as the Tygers was “Ritual.”

Following on three years from the critical success of their eponymously titled album ‘Tygers of Pan Tang’ the record will be supported by international touring throughout the UK and Europe. Additionally, plans are in hand to play Australia and make a return visit to Japan. Original Tyger Robb Weir, whose vision put the band at the forefront of the NWOBHM, feels that with this album is a true successor to those heady days and reflected,

“Every album you set out to create is special. ‘Ritual’ is just that bit extra special! It’s taken two studio postponements, but we now have the right result…..a claw ripping, gigantic sabre tooth Tyger kind of an album which you’re gonna love! Don’t be shy to say you think it’s the best…. because it is!”
The release will be preceded by the single ‘White Lines’ on 12” vinyl, the ‘b’ side of which celebrates 40 years since the release of the first Tygers single ‘Don’t Touch Me There’ with Fred Purser and Soren Andersen joining the band on guitar.

7,5 von 10 Punkte


Laura Cox – Burning Bright

Release: 08.11.2019

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Halb Englisch, halb Französisch,  100 % Rock‘n’Roll –

Laura Cox ist genau das was sie verspricht zu sein:  eine „Badass Rock´n´ Roll Lady“ die mit ihrer Gitarre Sounds produziert, die die Welt in einer bahnbrechenden Art und Weise zum Beben bringen. Damit hat sie sich selbst in die Rangliste der größten weiblichen Gitarristinnen katapultiert, und gibt es denn ernsthaft etwas cooleres als in einem Atemzug mit Nancy Wilson (Heart), Nita Strauss (Alice Cooper), The Runaways oder Joan genannt zu werden, nur um ein paar davon zu nennen.

Obwohl Laura Cox erst ein einziges Album veröffentlich hat, haben ihre kraftvollen Soli, eingängigen Refrains und ihre zügellose Stimme nicht nur das Internet im Sturm erobert (380.000 YouTube Abonnenten, 90 Millionen Views!), sondern sie spielt auch schon seit einigen Jahren ausverkaufte Tourneen.

Die Gitarristin und Sängerin hat nie geleugnet, dass das Leben als weibliche Gitarristin sich doch erheblich von dem ihrer männlichen Kollegen unterscheidet. Nach wie vor wird sie nicht müde zu erwähnen das sie sich nicht in geringster Weise um Sex-Appeal schert, sondern viel mehr um ihre Gitarre!

Gerade diese Einstellung ist auch der Grund, weshalb sich ihr Debüt-Album „Hard Blues Shot“ (2017) innerhalb nur weniger Monate in Frankreich über 10.000-mal verkauft hat, sie höchste Anerkennung innerhalb ihrer Gitarristen und Gitarristin Kollegen erlangt hat und einen äußerst erfolgreichen YouTube-Kanal vorweisen kann.

Das kommende, 2. Album „Burning Bright” ist „high voltage rock´n´ roll” im Stil von AC/DC und Danko Jones meets Joan Jett, gemischt mit Southern und Blues Einflüssen. Deshalb definiert Laura selbst ihren Style als „Southern Hard Blues” – ein Mix aus Genres und Bands mit denen sie aufwuchs.

„Burning Bright” wurde in den legendären ICP Studios (Johnny Hallyday, The Cure, Vanessa Paradis, Solomon Burke) aufgenommen. Mit einer makellosen Band als Backup, und dem Mastering des großartigen Howie Weinberg (Aerosmith, Oasis, The White Stripes), ist es versehen mit 10 Blues, Classic Rock und Hard Rock Bomben!

Be ready to burn bright!

 “Burning Bright” wird als CD und digital am 8. November 2019 via earMUSIC erscheinen.

Das Album kann hier vorbestellt werden: https://LauraCox.lnk.to/Burning

www.lauracoxband.com

www.ear-music.net

FAZIT

DAS ist ein Album,welches von Anfang an “knallt”.Die Intensität jedes einzelnen Songs ist sofort zu spüren.Und das ist ein Album,was ich mir auch gern mal mehrmals hintereinander “reinziehe”!

10 von 10 Punkte


Meshiaak – Mask Of All Misery

Release : 15.11.2019

INFO-Auszug

Australisches Thrash-Metal Quartett Meshiaak veröffentlicht neues Album „Mask Of All Misery” am 15. November!

Als das australische Thrash-Metal Quartett Meshiaak vor gut drei Jahren sein mit Anklängen an Megadeth, Metallica, Machine Head, oder auch Alice in Chains und Slipknot versehenes Debütalbum-Biest „Alliance of Thieves” von der Leine ließ, rannte es damit offene Türen ein. Bei Genre-Fans wie auch Kritikern stieß der darauf zelebrierte Mix aus mächtigem Powermetal, progressiv strukturierten längeren Titeln und allerlei Hochgeschwindigkeits-Abfahrten auf bestmögliche Resonanz. So feierte die Zeitschrift Classic Rock „Alliance of Thieves” als „Mischung aus brütendem Progressive Rock und Heavy Rock”, das Magazin Powerplay beschied der Band, sie traktiere den Hörer dank unglaublicher Präzision und erstaunlicher Musikalität wie mit Knüppeln, und der Metal Hammer pries die Platte als einfallsreich vorgetragene „Attacke mit modernem Power- und Thrash Metal”.

Alles in Butter also? Nur beinahe, denn die Meshiaak-Maschinerie geriet vorübergehend ins Stocken, als Gründungsmitglied und Drummer Jon Dette ausstieg weil er die große Distanz zwischen seinem US-Wohnort San Diego und Australien als auf Dauer nicht praktikabel erachtete. Da sein vakanter Platz nicht kurzfristig nachbesetzt werden konnte, kam die für 2017 geplante erste Europatournee gemeinsam mit Machine Head nicht zustande. Jetzt gehen Meshiaak neu formiert nochmal über Los: Mit David Godfrey als frisch rekrutiertem Schlagzeuger an Bord und ihrem neuen Longplayer „Mask Of All Misery” im Kasten stellen die Aussies die Zeichen wieder auf Sturm. Mask Of All Misery” erscheint am 15. November 2019 als CD, digital, sowie auf rotem Vinyl als LP bei der Mascot Label Group.

Offizielles Video zu „Bury The Bodies”: https://youtu.be/73QYOfVUHVY

Rückblende: Die Gründung der Band, deren Name sich aus dem hebräischen Wort für Messias ableitet, geht auf das Jahr 2014 zurück. Damals taten sich im australischen Melbourne einige Meister ihres Faches zusammen, um dem Trash Metal eine gehörige Brise frischen Wind einzuhauchen: Sänger und Gitarrist Danny Tomb (heute: Danny Camilleri) kam von den Thrash- und Groove-Metallern 4ARM, Leadgitarrist Dean Wells war zuvor bei der Progmetal-Band Teramaze, und Jon Dette hatte bei Slayer, Terror und Testament getrommelt. Gemeinsam mit Bassist Nick Walker gründeten sie Meshiaak. Ihr erstes Album „Alliance Of Thieves” enstand unter der Regie des britischen Produzenten Matt Hyde, eines Metal-Experten, der sich unter anderem mit seiner Arbeit für Bullet for My Valentine, Machine Head und Trivium einen Namen machte und für das Slipknot-Album „All Hope Is Gone” (2008) eine Grammy-Nomierung erhielt.

Für Meshiaaks zweiten Wurf Mask Of All Misery” zeichnen wiederum Danny Camilleri und Dean Wells als famos eingespieltes Songwriter-Team verantwortlich. Das Album wurde in Well’s eigenem Studio in Melboune aufgenommen, die Produktion übernahm Wells diesmal selbst. Zu den Highlights und Anspieltipps der zehn auf „Mask Of All Misery” zu hörenden Stücke gehören neben dem brachialen Opener „Miasma” und dem darauf folgenden gleichermaßen furiosen Titeltrack unter anderem das dramatisch-melodische „Bury The Bodies” sowie die mit grandiosen Riffs aufwartenden Heavy-Metal-Brecher „City Of Ghosts”, „Face of Stone” und „In The Final Hour”. Beim elegischen „Doves” gibt es etwas Zeit zum Verschaufen, bevor die Band nach dem wiederum beinharten „Adrena”mit dem in Progmetal-Gefilde führenden vielschichtigen Siebeneinhalbminuten-Epic „Godless” einen ebenso nachhallenden wie nachhaltigen Schlusspunkt unter „Mask Of All Misery” setzt.

Mehr Infos unter:
https://www.facebook.com/meshiaak

https://www.instagram.com/meshiaak

https://twitter.com/meshiaakband

FAZIT

Bei den Ersten 2 Nummern dachte ich noch:”Klingt ja ganz GEIL”!Dann,nach längerem hören,langweilte mich das GANZE.Das wurde mir einfach zu “eintönig”…Nix für mich!

Da gibt´s so die ein oder andere nette musikalische Idee..und auch die Produktion ist Soundmässig gelungen.Der Mann am Mischpult hat nen´ anständigen Job abgeliefert!

6,5 von 10 Punkte

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